Rezension: Reichen vier Sam Francis-Gemälde für eine großartige Show?

Ist eine große Ausstellung mit nur vier bedeutenden Gemälden möglich? Vielleicht. Aber wenn ja, „Sam Francis und Japan: Die Leere fließt über“, kürzlich im Los Angeles County Museum of Art eröffnet, nicht wahr?

Seit Benjamin West 1763 nach England ging, um nie wieder in seine Heimat Pennsylvania zurückzukehren, sind amerikanische Maler und Bildhauer ins Ausland gereist, um zu studieren und zu arbeiten, unter anderem in Frankreich, Deutschland, Italien und anderswo, hauptsächlich in Europa. Sam Francis auch. Nach seinem Abschluss an der UC Berkeley nach dem Militärdienst im Zweiten Weltkrieg ging der in San Mateo geborene Francis mit freundlicher Genehmigung des GI Bill nach Paris.

Er blieb etwa fünf Jahre. Aber seine Erfahrung dort war ganz anders als die meisten.

Als rudimentärer Französischsprecher, der bald fließend sprach, bewegte er sich leicht in der Pariser Kunstwelt der 1950er Jahre. Er freundete sich nicht nur mit französischen Künstlern und anderen amerikanischen Auswanderern an, sondern auch mit japanischen Malern, die sich aus offensichtlichen Gründen wohler fühlten, dort zu studieren als in Die Vereinigten Staaten. 1957 unternahm Francis seine erste Reise nach Tokio.

Es war nicht das letzte. Schließlich unterhielt er ein Studio in Japan. Sein Hauptsammler war der japanische Tanker Idemitsu Sazō, und zwei seiner fünf Frauen waren Japanerinnen (eine davon die Tochter seines Sammlers). Die LACMA-Show zielt darauf ab, den tiefgreifenden Einfluss zu zeigen, den japanische Kunst, traditionelle und zeitgenössische, auf die Entwicklung seiner abstrakten Sensibilität als Maler hatte.

Das tut es mehr oder weniger. Aber nicht zufriedenstellend.

Yamaguchi Soken, „Blumen und Pflanzen der vier Jahreszeiten“, Ende des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts; Tusche und Farbe auf Goldpapier.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Neben Tokio unterhielt der 1994 im Alter von 71 Jahren verstorbene Kalifornier Ateliers zu verschiedenen Zeiten und Perioden in Santa Monica, Paris, Mexiko-Stadt und Bern in der Schweiz. Unterschiedliche kulturelle Einstellungen manifestierten sich nicht nur in seiner Kunst, sondern auch in seiner zentralen Rolle vor mehr als 40 Jahren bei der Schaffung des Museums für zeitgenössische Kunst. Francis war maßgeblich an der Auswahl des Architekten Arata Isozaki für den Entwurf seines ersten amerikanischen Gebäudes und des in Schweden geborenen Pontus Hultén, ehemaliger Direktor des Centre Georges Pompidou in Paris, für die Leitung des MOCA in Los Angeles beteiligt.

Die größten Fortschritte in seiner Entwicklung als abstrakter Maler erzielte er durch die Aufnahme der Befreiung der Farbe im französischen Fauvismus und der räumlichen Transformation des bildlichen Illusionismus in Claude Monets Seerosenteichen sowie der traditionellen japanischen Ästhetik. Ein Freund beschreibt Francis als Amerikas ersten wirklich internationalen Künstler. Du hast vermutlich recht.

Aus all diesen Gründen sollte „Sam Francis and Japan: Emptiness Overflowing“ eine bedeutende Ergänzung der Wissenschaft über den Künstler sein. Sein vier Jahrzehnte währendes Interesse an japanischer Malerei und Druckgrafik ist kein Geheimnis. Aber überraschenderweise wurde dem Thema laut LACMA bisher keine Ausstellung gewidmet.

Die aktuelle Ausstellung, die von den LACMA-Kuratoren Hollis Goodall und Leslie Jones mit Gastkurator Richard Speer organisiert wird, stellt Francis’ Werk zahlreichen japanischen Rollbildern, Drucken und Kalligrafien gegenüber. Leider sind nur wenige bedeutende Gemälde von Francis zu sehen. Der attraktivste Raum ist der Eingang. Dominierend ist das monumentale Gemälde „Towards Disappearance“ des Künstlers, gemalt im Jahr nach seinem ersten Aufenthalt in Japan.

Sam Francis, „Untitled (Japanese Line)“, 1958, Aquarell auf Papier.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Das Wandbild, vierzehn Fuß breit und 9 ½ Fuß hoch, zeigt hauptsächlich kobaltblaue flüssige organische Formen, die in ein riesiges Feld hellweißer Ölfarbe zu kaskadieren oder einzutauchen scheinen und dabei Farbspritzer nachziehen. . (Denken Sie an einen abstrakten Bergwasserfall.) Gegenüber, auf einem niedrigen Sockel stehend, zeigt ein exquisites Paar Yamaguchi-Soken-Bildschirme aus dem späten 18. oder frühen 19. Jahrhundert eine Landschaft aus anmutig arrangierten Blütenpflanzen, die vier Jahreszeiten umfassen, im Kontrast zu einem goldenen Hintergrund.

Schimmerndes, lichtreflektierendes Gold entkoppelt gemalte Lebewesen von Erde oder Himmel und damit von der gewöhnlichen Zeit und schafft einen mehrdeutigen Raum für die Natur. Die Gegenüberstellung mit Francis’ Gemälde scheint eine Verbindung mit seiner Verwendung eines flachen, nicht gebogenen weißen Feldes als Basis für seine blauen Formen herzustellen. Weite amorphe Räume waren jedoch viele Jahre lang ein zentrales Merkmal von Francis’ Werk, bevor er Japan betrat. „Grau“, eine große Abstraktion von 1951 im Museum of Contemporary Art, ist nur ein wichtiges Beispiel.

Sicherlich zeigt seine Arbeit Affinitäten zu den kosmischen Energien der japanischen Kunst. Ein reizendes Aquarell von 1958, „Untitled (Japan Line),“ hinterlässt Spuren aus purpurroten Tröpfchen, ähnlich der angrenzenden hauchdünnen Komposition in Yamamoto Baiitsus „Dragonfly and Roses with Cascade“ aus dem 19. Jahrhundert, einer bezaubernden Hängerolle.

Yamamoto Baiitsu, „Dragonfly and Cascading Roses“, 1830-1856, Tusche und Farbe auf Papier.

(Museumsmitarbeiter / LACMA)

Und natürlich war Francis nicht der erste Amerikaner, der von den Feinheiten der japanischen Ästhetik angezogen wurde. Diese hatten seit dem frühen 20. Jahrhundert Einfluss auf amerikanische Avantgarde-Künstler. Arthur Wesley Dow, der Georgia O’Keeffe, Charles Burchfield, Max Weber, Gertrude Käsebier und viele mehr unterrichtete, war von diesem Genre durchdrungen, nachdem er mit dem großen Kurator für asiatische Kunst, Ernest Fenollosa, am Museum of Fine Arts in Boston zusammengearbeitet hatte. Ein halbes Jahrhundert später in Los Angeles sind John McLaughlins geometrische Abstraktionen in den 1950er Jahren besonders bemerkenswert, die das japanische Prinzip der räumlichen Intervalle, bekannt als, ausnutzen Mutter. Die japanische Ästhetik war ein wesentlicher Bestandteil der modernen amerikanischen Kunstsprache.

Nur vier bedeutende Gemälde von Francis sind in der Ausstellung enthalten. Obwohl der Künstler produktiv war, sind diese vier inmitten von mehr als 40 modernen und historischen Werken japanischer Künstler installiert. (Einer, Suga Kishio, war sein Studioassistent in Tokio. Seltsamerweise gibt es nichts über Imai Toshimitsu, einen engen Freund und Kollegen, den er in Paris kennengelernt hat.) Der Mangel an Hauptwerken von Francis lässt Sie größtenteils fragen, was die Verbindungen sein könnten und wie oder ob sie funktionieren.

Francis machte viele Stiche. 1970 gründete er ein Lithografie-Druckstudio in Santa Monica, und die Ausstellung umfasst mehrere Dutzend. Es wird als eine Art Einführungsvortrag im Bachelor-Unterricht präsentiert: Vergleiche und kontrastiere.

Nur vier bedeutende Gemälde von Sam Francis sind in der LACMA-Ausstellung enthalten.

(Christopher Knight / Los Angeles Times)

Sein „Sky Painting“ von 1966, in dem Francis eine Art flüchtiges abstraktes Luftbild über der Bucht von Tokio mit farbigem Rauch aus Hubschraubern anfertigte, ähnelt Kalligrafie im realen Raum; aber es wird durch ein wandgroßes vergrößertes Foto dargestellt, das visuell schwer zu lesen ist, sowie einige Dokumente. Das flüchtige „Sky Painting“ ging ein Jahr vor Robert Morris’ einflussreicher atmosphärischer Skulptur des wogenden „Vapor“ und zwei Jahre vor Judy Chicagos erstem Ausflug mit vergänglichem farbigem Rauch. Aber für die drei Performance-basierten Werke musste man dabei sein. Der Show wäre besser gedient, wenn ein weiteres großartiges Gemälde diese großartige Fotowand füllen würde.

Wenn Sie sich verschwommen und dünn fühlen, liegt das wahrscheinlich daran, dass die Show improvisiert ist. Etwas mehr als die Hälfte der aktuellen Ausstellung stammt aus der ständigen Sammlung des Museums. Ursprünglich geplant, 2020 in einer anderen Form zu eröffnen, wurde diese Version aufgrund der Pandemie zurückgestellt. Der Katalog präsentiert sich, etwas verändert, als a digitale Ergänzung auf der LACMA-Website (Speers Aufsatz ist besonders wertvoll). Sicherlich erklärt die epische Gesundheitsstörung einige ihrer Einschränkungen.