„Beau hat Angst“-Rezension: Ari Asters Mom-Drama

Das erste Wort, das wir in „Beau hat Angst“ geschrieben sehen, der wütenden ödipalen Phantasmagorie eines Ari-Aster-Films, ist „Guilt“ mit einem großen „G“. Es ist nicht das letzte Wort in einer Geschichte voller wütender Kritzeleien, inbrünstiger Liebesbotschaften, cleverer Firmenlogos, detaillierter Sexshop-Menüs, unflätigen Graffitis und Schildern, die sowohl ermutigend (Folgen Sie jedem Regenbogen!) als auch warnend (Vorsicht vor dem braunen Einsiedler Spinne). !). Aber Aster, ein Virtuose der emotionalen Vernichtung, stochert gerne am gequälten Gewissen seiner Figuren herum, wie sich seine Fans von „Hereditary“ (2018) mit seinem brutalen Drama um mütterliche Ambivalenz und „Midsommar“ (2019) erinnern werden . . ). , in der eine Romanze verhängnisvoll weitergeht, mehr aus Verpflichtung als aus Liebe. Selbst nach diesen Maßstäben ist die Schuld, die sie auf „Beau Is Afraid“ offenlegt, die nächste Stufe; es trägt das Gewicht einer These und die Wut einer Anklage.

Der Mann vor Gericht ist Beau Wassermann, ein einsamer grauhaariger Jude mit traurigen Augen, hängenden Schultern, dicken Eingeweiden und hängenden Hoden, gespielt von einem voll engagierten Joaquin Phoenix. Beau, getreu dem Titel, hat vor vielen Dingen Angst: Krankheit, Drogen, Tod, Leben, gewalttätige Männer, schöne Frauen, Orgasmen. Eine der beunruhigendsten Eigenschaften des Films ist die Art und Weise, wie er seine Befürchtungen zu verspotten und zu bestätigen scheint, als wollte er andeuten, dass er völlig paranoid und überhaupt nicht paranoid ist.

Und was Beau am meisten fürchtet, ist die Möglichkeit – nein, die Unvermeidlichkeit – dass seine beschämendsten Gedanken für alle sichtbar aufgedeckt werden, einschließlich seiner wahren Gefühle für die Mutter, deren abweisendes Urteil und erstickende Zuneigung die beängstigendsten Konstanten seines Lebens waren .

Der Teil „alles Leben“ wird schon früh eingeführt, mit einer Flut pochender, kontrahierender Bilder und den Geräuschen der eskalierenden Schreie einer Frau: Wir werden zusammen mit Baby Beau aus dem Geburtskanal seiner Mutter vertrieben. Beau ist von Anfang an eine Quelle der Enttäuschung und Angst, und es ist klar, dass sich wenig geändert hat, als wir ihn einige Jahrzehnte später sehen, wie er mit einem schockierten Blick und einer niedergeschlagenen Haltung zu seinem Therapeuten (einem schlauen Stephen McKinley Henderson) stapft. “Hast du dir jemals gewünscht, ich wäre tot?” fragt der Therapeut mit einem Lächeln. “NEIN!” Beau protestiert zu heftig. Der Film wird eine ganz andere Geschichte erzählen.

Es wird tatsächlich vier verschiedene Geschichten erzählen, jede mit ihrem eigenen Ton, ihrer eigenen Atmosphäre und ihrem Verhältnis von gruseligem Schock zu verdrehtem Lachen. Diese Episoden verschmelzen irgendwie in der dunkelsten aller Schelmen-Odysseen: eine krachende Meditation über jüdische Schuld, kindliche Rebellion und mütterliches Entsetzen, die die Grenzen zwischen Horror und Komödie, Traum und Erinnerung, physischer Realität und psychologischem Mahlstrom verwischt.

Es sei Ihnen verziehen, wenn Sie sich daran als brutale, kaum dosierte Schläge erinnern: Im Laufe von drei hektischen, aber ruhigen Stunden wird Beau gejagt, ausgeraubt, gedemütigt, fast ertrunken, erschossen, erstochen, von einem Auto angefahren, entführt, angekettet. , unter Drogen gesetzt, des Mordes beschuldigt und wiederholt getäuscht und terrorisiert: eine Kette von Misshandlungen, in der die einzige gelegentliche Atempause ein plötzlicher Schlag auf den Kopf ist. (Der Film hätte „Beau hat eine Gehirnerschütterung“ heißen können.)

Trotzdem bleibt Beaus Mission klar, auch wenn es sonst nicht viel gibt: Er wird seine seit langem verwitwete Mutter Mona besuchen, die er seit geraumer Zeit nicht gesehen hat, obwohl sie nur einen kurzen Flug entfernt lebt. (Mona wird in verschiedenen Altersstufen und mit unterschiedlichen Bewusstseinszuständen von einer gruselig koketten Zoe Lister-Jones und einer typisch wilden Patti LuPone gespielt.)

Aber wie wir in der hervorragend kontrollierten ersten Geschichte des Films erfahren, ist es leichter gesagt als getan, seine baufällige und spärlich eingerichtete Wohnung als Polanski-ähnliches Versteck in einer Straße von Boschs Hölle zu verlassen. Mit exquisit geformtem Produktionsdesign (von Fiona Crombie) und symmetrisch präziser Kameraführung (von Pawel Pogorzelski) entführt uns Aster in ein schmutziges, verlassenes Fegefeuer, in dem die Stimmung sowohl apokalyptisch als auch apathisch ist und wo Nachtschwärmer ohne Parade und messerschwingende Raubtiere nicht zu finden sind. t auch nicht. leicht zu unterscheiden.

Sind alle verrückt geworden oder nur Beau? In dem Maße, in dem der gesamte Film fast vollständig in Ihrem Kopf ablaufen könnte, macht es wirklich einen Unterschied? Als Beaus Reise von einem gestohlenen Schlüsselbund, einem Amoklauf wegen seiner verschreibungspflichtigen Medikamente und einer bizarren Hausinvasion unterbrochen wird, kommen Sie nicht umhin, sich zu fragen, ob Sie Beaus Irrungen und Wirrungen für bare Münze nehmen sollen Ich soll Monas kaum zurückgehaltene Wut verstehen („Okay“, knurrt sie durch zusammengebissene Zähne), als er anruft und ihr sagt, dass er unerklärlich spät ist.

Und wenn Sie denken, dass Beau sich deswegen schuldig fühlt, stellen Sie sich vor, wie er sich fühlt, als er am nächsten Tag herausfindet, dass seiner Mutter von einem fallenden Kronleuchter ins Gesicht geschlagen wurde: eine Tragödie (irgendwie) und ein schlechter Witz, aber eigentlich ein Gedeihen des Autors. von einem Filmemacher, der pulverisierte Köpfe in ein begehrtes Motiv verwandelte. Es ist eine Erinnerung, als ob eine Erinnerung nötig wäre, genau daran, wo wir uns befinden, tief im Land der Unglücklich-Ewigen-Aster.

Joaquin Phoenix in dem Film „Beau hat Angst“.

(A24-Filme)

Wenn „Hereditary“ darauf bestand, dass Heimat dort ist, wo das Grauen ist, während „Midsommar“ Ärger in einem fernen Paradies fand, dann könnte „Beau Is Afraid“ den Unterschied aufteilen: Es ist häusliche Kälte und alptraumhafter Reisebericht, alles in einem. Entschlossen, rechtzeitig zur Beerdigung seiner Mutter nach Hause zu kommen, wandert Beau sowohl durch städtische als auch vorstädtische Ödländer, durch verzauberte Wälder und belebte Wüsten, mit dem Krankenwagen, mit dem Auto, mit dem Kreuzfahrtschiff, mit dem Boot. (Er navigiert auch durch einen Möbius-Streifen mit Filmreferenzen, der sich von den Mama-Themen in „Psycho“ zu den schwindelerregenden Simulationen des Lebens in „The Truman Show“ und „Synecdoche, New York“ schlängelt.) Aber am Ende des Films , diese zerschlagene Ihre versteinerte Seele scheint sich kaum bewegt zu haben, oder besser gesagt, dort angekommen zu sein, wo sie begann.

Es ist kein Zufall, dass jede der vier Geschichten Beau mit einer anderen Vorstellung von Heimat präsentiert oder dass jede Vorstellung stark fehlt. Nachdem er aus seiner Wohnung geflohen ist, erholt sich ein schwer verletzter Beau in einem gut ausgestatteten Haus, wo ein freundliches Paar (Amy Ryan und Nathan Lane) sich fast so sorgfältig um ihn kümmert, wie sie das Zimmer ihres verstorbenen Sohnes instand halten. Aber die beißend satirischen Vibes (stellen Sie sich ein Todd Solondz-Remake von „Ordinary People“ vor) und das Hausarrest-Armband um Beaus Knöchel machen deutlich, dass unser bettlägeriger Held tatsächlich eine Falle gegen die andere eingetauscht hat.

Die dritte Geschichte reißt Beau aus dieser Falle und in eine hoffnungsvollere und ergreifendere Richtung, und das nicht nur, weil er es schafft, mehrere Minuten zu gehen, ohne missbraucht oder verängstigt zu werden. Ich möchte nur ungern mehr sagen, außer dass dieses Kapitel die Form eines wunderschönen Theatercoups annimmt und Beau vor atemberaubend schöne animierte Landschaften stellt (zum Leben erweckt von den chilenischen Künstlern Cristóbal León und Joaquín Cociña, die den gefeierten Film von 2018 inszenierten. ” Das Haus des Wolfs“). Und es beschwört auch eine verblüffende Vision von Zuhause herauf, von einer häuslichen Glückseligkeit, die Beau sich kaum vorstellen konnte. Es ist der schönste Moment des Films und vielleicht gerade deshalb der grausamste. Aster lässt die Möglichkeit der Erlösung baumeln, nur um sie schadenfroh wegzuschnappen.

Armen Nahapetian und Zoe Lister-Jones in dem Film „Beau hat Angst“.

(A24-Filme)

Wirst du mit ihm ins Leere lachen? Oder wirst du für eine Sekunde lachen, wie ich es getan habe, und die Augen zusammenkneifen, um zu sehen, ob da noch etwas ist? „Beau Is Afraid“ bietet eine verblüffende Bestätigung von Asters Talent und einen weiteren Beweis für seine Grenzen. Es ist ein großartiger Film, wild ehrgeizig, der darauf aus zu sein scheint, sich und seine Charaktere von den Konventionen der Form und des Genres zu befreien.

Aber diese expansivere Energie steht im Widerspruch zu der Mutter-Mann-Sohn-Dialektik der Geschichte und wird letztendlich von ihr eingeschränkt, einem Freudschen Konstrukt, das sich eher reduzierend als enthüllend anfühlt, in einem Film, der nie ganz so beängstigend oder so dunkel ist wie es aussieht. selbst.

Aster schafft einige eindringliche visuelle Schnörkel, vor allem ein Bild eines mondbeschienenen Ozeans, der plötzlich in einer sich schnell füllenden Badewanne verschwindet, eine verblüffende Zusammenfassung dessen, wie klein Beaus Welt wirklich ist. Aber diese Sequenz führt uns auch in ein Labyrinth zu sorgfältig konstruierter Rückblenden, die hauptsächlich dazu dienen, die wohlbekannte Tatsache von Mamas transzendentem Horror nach Hause zu bringen. Wir erfahren nicht genug über den jungen Beau (Armen Nahapetian), außer dass er ein schüchterner und tollpatschiger Junge ist, der ein bemerkenswert luxuriöses Leben führt (Mona ist eine erfolgreiche Geschäftsfrau), aber ein emotionales Leben in nicht beneidenswerter Armut.

Wie verarmt genau, wird in der vierten und härtesten Geschichte des Films überdeutlich, wenn Beau eine Heimkehr erlebt, die von trauriger Traurigkeit, ungezügeltem Sex, Hodensackbildern, ritueller Demütigung, unvergesslichen Gesichtern (Parker Posey, Richard Kind) und sich überwältigend wiederholenden Reden geprägt ist. plus die Entdeckung, dass man, egal wie tief man gesunken ist, immer weiter sinken kann.

Phoenix scheint sich als Schauspieler natürlich selten wohler zu fühlen als in den tiefsten Tiefen, was dem Film zugute kommt. Seine Qual hier ist so unmittelbar ergreifend und erkennbar, an der Oberfläche so zugänglich, dass es Sie dazu verleiten könnte zu glauben, Beau sei mehr als ein jammernder Avatar eines Traumas. Ein Teil der Einbildung des Films besteht darin, dass Beaus Schuld eine so lähmende, verzehrende Kraft ist, dass sie jedes Gefühl dafür, wer er wirklich ist, was er wirklich getan hat, wofür er sich wirklich schuldig gemacht hat, auslöscht. Als Charakter hat er kaum eine emotionalere Definition als die kleine weiße Figur, die er früh als Geschenk für seine Mutter kauft.

Aster hatte schon immer eine Schwäche dafür, seine Charaktere wie Schachfiguren zu behandeln und sie mit beeindruckender, manchmal qualvoller Überlegung ihrem düsteren Schicksal zuzuführen. Dieser Ansatz funktionierte hervorragend bei „Hereditary“, der die Puppenhausdioramen seiner Hauptdarstellerin in eine verblüffende visuelle Einbildung und eine höllische satanische Metapher verwandelte. Er ist weit weniger effektiv in scheinbar aus den Fugen geratenen und aufrührerischen Arbeiten wie „Beau Is Afraid“, wo selbst der surrealste Eingriff und die verrücktesten Nicht-Sequitur sich wie auf einen Zentimeter seines Lebens berechnet anfühlen. Aster ist vielleicht zu sehr ein formalistischer Kontrollfreak, um die verrückte Katharsis durchzuziehen, alles loszulassen, was er verfolgt, und die ausgeklügelte Falle, die er für Beau entworfen hat, scheint sich endlich selbst zu schließen. Du hast einen Schuldtrip ins Nirgendwo gemacht.